Para tener siquiera una oportunidad de disfrutar la “Cumbres Borrascosas” de Emerald Fennell, debes dejar que te envuelva. Cada yema de huevo partida, cada centímetro de mucosidad de caracol, cada gota de lluvia reluciente en pantalla — todo está diseñado para quedarse resbaladizo en la superficie, sin ir nunca más allá de la piel.
La tercera película de la escritora y directora británica, que se estrena el viernes, ha polarizado a las audiencias desde el primer tráiler. Como la mayoría de los directores que han intentado llevar a la pantalla los salvajes páramos ingleses de Emily Brontë, Fennell decidió adaptar solo la primera mitad de la novela gótica: cortándole de raíz antes de que el romance se agrie y se convierta en un estudio sobre el trauma generacional. La versión de Fennell tiene probablemente un 50 % menos de trama y personajes, pero un 100 % más de dedos en bocas, escenas de masturbación y sexo.
En cierto modo, estaba destinada al fracaso desde el momento en que se revelaron esas infames comillas alrededor del título; un intento de Fennell de anticiparse a las críticas que se han publicado esta semana. “No puedo decir que estoy haciendo Cumbres Borrascosas, no es posible”, dijo la directora durante la extensa gira de prensa de la película. “Lo que sí puedo decir es que estoy haciendo una versión de ella”.
Esas comillas no solo señalaban subjetividad, eran una referencia en sí mismas. A mediados del siglo XX, los títulos de las películas aparecían regularmente en los tráilers entrecomillados — ya fuera para diferenciar el nombre de la película dentro de un cartel saturado de texto, o como un vestigio estilístico de la era del cine mudo. Este estándar cinematográfico había caído en desuso en gran medida para los años 60, pero al revivirlo, Fennell indicaba a las audiencias que su película tiene más que ver con la historia del cine que con la rectoría de Brontë.
De hecho, la adaptación hollywoodense de 1939 del director William Wyler —con sus ostentosos trajes y enfoque romántico— parece una mejor obra complementaria que el material literario original. Para la reinterpretación de 2026, Fennell trabajó con la diseñadora de vestuario Jacqueline Durran para crear docenas de trajes (solo Cathy, interpretada por Margot Robbie, tenía 50) fuertemente inspirados en los atuendos extravagantes, desinhibidos y camp del medio siglo. Mientras hacía la película, Fennell repartía un libro de varios centímetros de grosor con referencias visuales que abarcaban desde Scarlett O’Hara en “Gone with the Wind” (1939) hasta “Donkey Skin” (1970). Si no quedaba ya claro, la precisión histórica es un concepto en el que Fennell simplemente no cree. Punto.
“Todos creemos que estamos haciendo un drama de época hasta cierto punto, y luego simplemente parece de los 90 o de cuando sea que se haya hecho”, dijo, hablando junto a Durran en una sesión de preguntas y respuestas en el Victoria and Albert Museum de Londres recientemente. “Estamos haciendo vestuarios. Estamos haciendo una película. Esa es una suspensión de la incredulidad que es importante reconocer”
Los vestuarios de Cathy en la película de Fennell se adentran a menudo en el territorio de Wyler: se burla de la pobre enamorada Isabella Linton en la mansión Thrushcross Grange, mientras lleva un vestido de tul blanco con enredaderas de terciopelo aplicadas que se parece sorprendentemente al que usó la actriz Merle Oberon en pantalla en 1939. Luego está la capa de terciopelo rojo sangre con capucha y el manguito de piel blanca que Robbie lleva cuando Cathy visita Cumbres Borrascosas por primera vez desde que se casó con Edgar Linton. Oberon también lució una capa de terciopelo ribeteada en piel y un manguito de piel en la versión de Wyler. La cantidad de joyas que lleva Robbie no parece tan fuera de lugar cuando ves a Oberon usando una diadema casi idéntica, pendientes largos y un collar floral de diamantes unos 87 años antes.
“Cuando me preguntan por qué los vestuarios son de una manera particular, encuentro que es realmente difícil de responder”, dijo la diseñadora Durran en Londres. “Es una especie de razón instintiva y emocional.” Fennell estuvo de acuerdo: “No está conectado con la época, está conectado con la verdad emocional”.
Las primeras críticas de la versión de Wyler reconocieron la misma sensibilidad. En 1939, el crítico de cine del New York Times, Frank S. Nugent, elogió la película por ser “emocional en la presentación, el tema y el atractivo”, aunque incluso el siglo pasado el temor a ofender “a los fieles de las sociedades Brontë” era considerable. En la mente de Nugent, cualquier libertad creativa tomada por Wyler mantenía, lo que él veía, como el tema central de la novela: el amor brutal entre Heathcliff y Cathy. “Lo que han hecho, en resumen, es recortar lo no esencial y llevar lo esencial a un enfoque más claro y nítido”, escribió. Sin duda, Fennell recibiría con agrado una reseña como la de Nugent hoy en día. Si el público se conecta con su adaptación con un espíritu similar, está por verse.
En última instancia, Fennell hace referencia a un período de la historia, pero no a 1847, cuando Brontë escribió la novela, ni a finales del siglo XVIII, cuando está ambientada. Al elegir sus referencias de la gran pantalla en lugar de la historia, ha hecho una película para cinéfilos, no para ratones de biblioteca. El resultado podría ser tan superficial como un charco en un día soleado, pero ciertamente captó la luz.
